Historia del teatro

El teatro o arte dramático es un arte espectacular que produce obras teatrales presentadas directamente ante o con el público, en un mismo espacio y en directo. En la obra teatral , uno o más personajes tienen al menos un objetivo inmediato y casi siempre al menos un conflicto dramático, que puede ser interno y externo.

Hoy en día las artes escénicas son una de las pocas formas de arte en la que el artista y quien disfruta de la obra se miran cara a cara, en el mismo espacio y en directo. El teatro ha sido y sigue estando ligado, a veces mezclado con otras artes escénicas como el circo.

Durante muchos años el teatro ha sido estudiado únicamente como una pequeña “incrustación, apenas” en la literatura , interesada sólo en un elemento teatral, no obligatorio, que es el texto dramático.

A menudo los estudios teóricos teatrales se habían rasgado, siendo partes minoritarias y parciales de estudios filosóficos, filológicos, semióticos , antropológicos , sociológicos , artes plásticas , visuales o de otras ciencias y artes que estudiaban marginalmente elementos muy específicos, como un texto o una pintura para el decorado, por ejemplo, desligándolos del espectáculo.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX numerosas figuras del teatro ( Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Cipriano de Rivas Cherif , Adrià Gual , etc.) se han estado esforzando para liberar el arte dramático y librarse le las servidumbres en otras artes.

El Día Mundial del Teatro se celebra cada año el 27 de marzo.

Historia

La mayoría de los estudios consideran que los orígenes del teatro deben buscarse en la evolución de los rituales mágicos. Algunos, relacionados con la caza, al igual que las pinturas rupestres, o con la cosecha agrícola, mezclados con otras artes escénicas como la música y la danza , desembocaron en auténticos espectáculos dramáticos a los que se rendía culto a los dioses y se expresaban los principios espirituales de la comunidad. Este carácter es un factor común a la aparición del teatro en todas las civilizaciones.

Las manifestaciones dramáticas se han producido en todas las culturas del mundo . Las más antiguas tuvieron lugar antes de la utilización de la habla y solían estar relacionadas con rituales. Desde entonces diferentes formas teatrales se han ido presentando a lo largo de la historia hasta la actualidad, cuando conviven producciones inéditas con otras más antiguas, tanto con puestas en escena tradicionales como innovadoras.

Algunas producciones teatrales antiguas se han perdido, otros han ido evolucionando adaptándose a los diferentes cambios sociales y culturales, transformándose. De algunas se ha recuperado información – texto teatral , imágenes , testigos- mediante la búsqueda. Todas, tanto las pertenecientes al teatro popular como las de autor, han conformado la personalidad del teatro actual.

En el Antiguo Egipto , a mediados del segundo milenio antes de la edad cristiana, se representaban ya dramas sobre la muerte y resurrección de Osiris . Se comienza el teatro por medio de máscaras y dramatizaciones con ellas. El teatro surge como lugar público para el culto y representación de mitos en Egipto, como después se hará con los actos sacramentales medievales.

Un grupo de personas bajo máscaras teatrales frente al dios Dioniso y una acompañante

La aparición de los espacios arquitectónicos, teatros, específicos para escenificar obras teatrales, estas se tuvieron que adaptarse a la nueva relación que establecían los actores y el público, que podía estar muy alejado.

Las raíces en ritos órficos y en los festivales celebrados para Dioniso , donde se llevaban a cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de danzas y cantos ( ditirámbico ). Más tarde comenzaron las primeras representaciones ya propiamente dramáticas, ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías que incluían solo un actor y un corazón.

A finales del Siglo VI aC consiguió una extraordinaria celebridad el legendario poeta e intérprete Tespis , en cuyo honor la frase el carro de Tespis alude, aún hoy, en el conjunto del mundo del teatro.

El teatro griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta de la vendimia (ofrecida a Dionisio) donde los jóvenes iban danzando y cantando hacia el templo del dios, a ofrecer las mejores viñedos. Luego un joven que resaltó entre el grupo de jóvenes se transformó en el corifeo o maestro del corazón , que dirigió al grupo. Con el tiempo aparecieron el bardo y el rapsoda , que eran recitadores.

En el curso del siglo V aC , durante la edad clásica de Grecia , se establecieron los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia , y los dramaturgos Esquilo y Sófocles añadieron respectivamente un segundo y tercer actor en la acción , lo que dar a ésta una complejidad que hacía necesaria la creación de grandes escenarios.

Para ello se erigieron grandes teatros de piedra, entre los que cabe citar el aún conservado de Epidauro (Grecia) en el siglo V aC , capaz de albergar unas 12.000 personas, y el de Dionisio , en Atenas , en el siglo IV aC. Su construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de un cerro, donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la orquesta , espacio circular en la que se hacía la mayor parte de la representación.

Tras la orquesta levantaba una edificación llamada Skene , escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. Delante de ella se levantaba una pared de columnas, el proscenio , que podía sostener superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias, constituían todo el aparato escénico.

Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro (dirigido por el corifeo o maestro del coro) que cantaba y bailaba alrededor de un altar.

En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia , obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas heroicas y utilizaba, oportunamente, a los dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos ya las obras y incurrían en una mímica iniciada por un coro de sátiros , y comedias que tenían por tema asuntos de la vida cotidiana; todas estaban escritas en verso y utilizaban máscaras.

Géneros teatrales

Un género teatral, género de teatro o género dramático es un concepto de tipo categorial que permite clasificar las producciones teatrales teniendo en cuenta aspectos de estilo , de forma , de contenido u otros. Se pueden combinar y solapar varios criterios para establecer las categorías secundarias. Así pues, la lista de géneros no está cerrada.

Hay varios géneros teatrales. Por ejemplo dentro del realismo encontramos la comedia , la tragedia y el drama , que son los géneros clásicos más conocidos. El realismo derivó en el naturalismo teatral , y posteriormente como reacción han existido otros estilos teatrales que buscaban romper estas normas y códigos tan cuadrados, apareciendo géneros como el teatro del absurdo y el teatro de vanguardia.

También hay géneros que buscan expresamente un estilo no naturalista, aunque su contenido queda bastante clásico, son por ejemplo el melodrama y la tragicomedia .

Otros géneros teatrales son, por ejemplo, la farsa , la comedia del arte , la performance , el mimo , la danza-teatro , el teatro musical , la ópera, los teatros de títeres y de sombras chinescas , o el teatro de calle .

Según la teoría realista clásica hay dos grupos principales: el de la comedia , y el de la tragedia y el drama .

En la comedia los personajes son complejos, comunes y corrientes que encarnan los defectos y vicios de los seres humanos, el conflicto que se presenta es posible y probable en la vida real, si bien su contenido se exagera o ridiculiza en el intento por provocar la risa del receptor.

El protagonista en este conflicto lucha con su antagonista en un intento fallido para lograr sus propósitos; fallido, porque sus intentos los llevan a diversas situaciones, en las que fracasa o es objeto de burla. El desenlace presenta una solución alegre al conflicto con la que todos los problemas se alegran y todos quedan felices.

Generalmente los autores a través de la risa intentan que el receptor reflexione sobre lo que sucede en la obra y de esta manera pueda extraer una enseñanza si se ve identificado con alguno de los personajes. Por ello, algunos autores consideran que la comedia es moralista. Tartufo o el impostor de Molière es un ejemplo.

En la tragedia hay personajes ilustres, con el fin de producir una crisis, es decir, una purificación del receptor (lector o espectador) y que culmina en muchas ocasiones con la destrucción social o física del protagonista. Edipo rey de Sófocles es un ejemplo de este género.

En el drama se representa una situación de la vida real que resulta compleja y difícil pero con un final favorable o feliz, se caracteriza por tener personajes comunes y complejos que se enfrentan a situaciones límite de su vida y que acaban por reconocer aunque esto no necesariamente genere un cambio interno en el protagonista.

Teorías del teatro

Habiendo sido una parte importante de la cultura humana desde hace más de 2.500 años, el teatro ha desarrollado una amplia gama de diferentes teorías y prácticas. Algunas están relacionadas con ideologías políticas o espirituales, mientras que otros se basan exclusivamente en preocupaciones «artísticas».

Algunos procesos se centran en una historia, algunos en el teatro como acontecimiento, y otros en el teatro como catalizador para el cambio social. La Poética (c. 335 aC), del filósofo griego clásico Aristóteles , es el ejemplo más antiguo que sobrevive y sus argumentos han influido en las teorías del teatro desde entonces.

En ella, ofrece un relato de lo que él llama la «poesía» (un término que en griego significa literalmente “hacer” y, en este contexto incluye el drama – comedia , tragedia y sátira – así como la poesía lírica , la poesía épica , y el ditirambo ). Aristóteles examina los «primeros principios» e identifica sus géneros y elementos básicos; su análisis de la tragedia constituye el núcleo de la discusión.

Argumenta que la tragedia se compone de seis partes cualitativos, que son en orden de importancia: mythos o « trama », ethos o «personaje», dianoia o « pensamiento », lexis o« dicción », melos o« canción », y opsis o« espectáculo ».

Aunque la Poética de Aristóteles es universalmente reconocida en la tradición crítica occidental », explica Marvin Carlson,« casi todos los detalles sobre su influyente trabajo han suscitado opiniones divergentes ».

Entre los profesionales del teatro del siglo XX, destacan Konstantín Stanislavski , Vsévolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Keith Johnstone y Robert Wilson .

Stanislavski trató el teatro como una forma de arte autónoma de la literatura y en la que la contribución del dramaturgo se respetará sólo como la de una unión de artistas creativos. Su innovadora contribución a la teoría de actuación moderna se ha mantenido en el núcleo de las principales actuaciones occidentales durante gran parte del siglo pasado.

Que muchos de los preceptos de su sistema en la actuación parezcan de sentido común y evidentes demuestra su éxito hegemónico. Los actores emplean con frecuencia sus conceptos básicos sin saber que lo hacen.

Gracias a su promoción por los profesores que eran antiguos alumnos, ya las muchas traducciones de sus escritos teóricos, han hecho que el Sistema Stanislavski adquiera una capacidad sin precedentes para cruzar fronteras culturales y que se desarrolle todo el mundo, dominando los debates sobre la actuación en Europa y en Estados Unidos.

Muchos actores equiparan habitualmente su “sistema” con el Método de América del Norte, aunque que las técnicas exclusivamente psicológicas de este último contrastan fuertemente con el enfoque multivariante, holístico y psicofísico de Stanislavski, que explora el carácter y la acción desde «dentro hacia fuera» y desde «fuera hacia dentro» y trata la mente y el cuerpo del actor como partes de un continuum.

Algunos elementos

El teatro como se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus diferentes elementos forman una parte indivisible. Estos elementos, sin embargo, poseen cada uno características y muchas otras cosas aparte de las características y normas propias y, en función de la época, de la personalidad del director o de otras circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otros mayor relevancia dentro del conjunto.

Gesto

Obra presentada en un museo de los prisioneros, aprovechando este como escenografía

El uso del gesto y especialmente las acciones son lo que distinguen un actor de un orador. Existe teatro sin texto, sin escenografía y sin vestuario, por ejemplo, pero siempre es necesario que haya actores (personas u objetos) que hagan algo. En teatro, se entiende por ” acción ” en el movimiento corporal o facial hecho voluntariamente y con una intención u objetivo. No se deben confundir con el mimo y la pantomima.

Una acción de un personaje que tiene siete no será simular que bebe a gatillo con la mano vacía sino por ejemplo girarse a mirar un vaso de agua.

A veces, algunos autores destacan la diferencia entre “acción física”, que podemos ver o percibir por los sentidos, de una “acción mental” o “psíquica”, que sería un cambio en la psique del personaje (por ejemplo tiene una idea, cambia de estrategia, decide algo).

Estas acciones interiores no se ven, el actor no tiene más remedio que verbalizarlas o mostrarlas mediante acciones físicas. Para Eugenio Barba no existe una acción física que no sea también mental, o resultado de una mental.

Escenografía

En la antigüedad, la escenografía se encontraba condicionada a limitaciones técnicas y arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo durante toda la Edad Media. Fue a finales del Renacimiento y, sobre todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía comenzó a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva pictórica, que permitió dotar de mayor apariencia de profundidad al decorado, que consistía en grandes lienzos pintados, y posteriormente el desarrollo de la maquinaria teatral.

En el siglo XIX, con la introducción del drama realista, el decorado se convirtió en el elemento básico de la representación. El descubrimiento de la luz eléctrica , en fin, dio pie al auge de la iluminación.

Hoy en día, tiende a usarse en el concepto de “aparato escenográfico” referido a todos los elementos que permiten la creación de este ambiente, entre los que cabría destacar fundamentalmente los objetos, si es necesario la maquinaria o tramoya , el sonido y la iluminación .

Vestuario

Las flores heladas , de Henrik Ibsen y August Strindberg , en una puesta en escena de Leonard Matton el año 2011

El vestuario ha sido siempre estrechamente vinculado con la concepción escénica. En el teatro griego, la tosquedad de los decorados se compensaba mediante máscaras , trágicas o cómicas, y las túnicas estilizadas de los actores , el objeto era resaltar el carácter arquetipo de los personajes.

Durante el Barroco y el Neoclasicismo adquirieron importancia el maquillaje y el vestuario, si bien este se empleó a menudo de forma anacrónica: se representaba por ejemplo una obra ambientada en Roma con ropajes francesas del siglo XVII hasta la aparición del realismo teatral .

En la actualidad, la elección del vestuario es un elemento más dentro de la concepción general del montaje.

Texto

El texto es el conjunto de palabras y frases que pueden aparecer, directamente en lenguaje verbal, en una obra de teatro. El texto de una pieza teatral puede ser de uno o más autores, en este segundo caso puede ser un solo texto de creación colectiva o un conjunto de textos de diversos autores.

Un texto representado, sin más, no es teatro, ni el intérprete es un actor sino en todo caso un orador. Un texto dramático no es teatro hasta que se representa, lo que implica al menos una puesta en escena y un actor . Por otra parte, son numerosas las obras dramáticas en las que el texto no es el elemento de partida, o el más importante o incluso que prescinden por completo de la palabra (verbalizada por actores, en voz en off o escrita) o la subordinan a otros elementos como el gesto, la danza o el despliegue escénico.

Profesiones del teatro

Trabajadores del backstage , o “detrás de la escena”, no visibles para el público

El teatro, y las artes escénicas en general, es un sector cultural y laboral al que colaboran diferentes tipos de profesionales de carácter artístico, técnico y de coordinación, entre otros.

Desde críticos, programadores, personas que se dedican a la comunicación y el marketing, incluyendo diseñadores de carteles y folletos, vídeos y fotos promocionales, páginas web y comunicación viral, etc. pasando por todo tipo de profesionales técnicos, que pueden estar o no especializados en un solo ámbito como el sonido, o aún más, la música, la iluminación, la creación de todos los elementos (estructuras, mobiliario, obejectes, etc) que pueden haber al espectáculo, se vean o no, efectos especiales, vestuario, peluquería, maquillaje, etc., además del director técnico, el realizador y el productor, por ejemplo.

En una empresa teatral también necesita profesionales que hay en la mayoría de ellas, como por ejemplo administrativos o financieros.

Así, es fácil que en una obra teatral sencilla de pequeño formato, a la que el público sólo ve uno o dos actores, trabaje una veintena de personas. Así, si desde el punto de vista parcial y muy restrictivo de la literatura las personas más destacadas han sido clásicamente el autor o autores de los textos y los traductores; menudo aún se tiende a destacar los actores que vemos en escena y su director (artístico).

Director

La figura del director artístico y el director técnico no es siempre la misma. La personalidad del director teatral como artista creativo por derecho propio sólo se consolidó, según se apuntó anteriormente, a fines del siglo XIX . Su figura, de cualquier forma, había existido siempre, cuando era responsable de la coordinación de los elementos que representan, desde el escenografía , la producción, la realización en la interpretación de todos los personajes.

El director clásico era el responsable de la dramaturgia y creador de la poética de una obra teatral; siendo el coordinador en una de creación colectiva – por ejemplo de una compañía. Hace un siglo en Europa apareció la figura del actor creador, y el director da una estructura al material creado por los intérpretes.

Intérpretes

Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre de manera uniforme.

En el teatro occidental clásico, por ejemplo los corazones y los grandes actores, los “monstruos sagrados”, han tendido a declamar y enfatizar las emociones con el fin de destacar el contenido de la obra, en la comedia del arte del intérprete dejaba rienda suelta a su instinto; los actores japoneses kabuki hacen patentes determinados estados de ánimo por medio de gestos simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados, en el siglo XIX ha habido la orientación naturalista: que el actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del estudio de sí mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad de éste.

Tal opción, evolucionada en sus rasgos fundamentales a partir de las enseñanzas del ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito cinematográfico, no es desde luego la única y si no hay más remedio la elección de un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las indicaciones del director.

Sin embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con tendencia naturalista está siendo replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea requiere una crítica del naturalismo teatral como simple reproducción del comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno.

Actualmente ha habido grandes transformaciones del trabajo de Stanislavsky siendo las más importantes Antonin Artaud , Jerzy Grotowsky , Etienne Decroux y Eugenio Barba . Estas técnicas implican una compleja síntesis de los signos escénicos.

Teatro en la educación

El teatro aparece en el ámbito de la educación reglada de diferente maneras. Principalmente en la ESO , como materia optativa llamada “Dramatización / teatro” o como crédito variable de “Teatro”, pretende integrar dos maneras de entender las actividades dramáticas en la enseñanza : la llamada “dramatización” en este caso centrada en el crecimiento personal , y el “teatro” está más dirigido al desarrollo artístico.

Esta doble visión no significa dicotomía ni separación, ya que ambos enfoques tienen una raíz común: el lenguaje dramático.
Es una forma de expresión que utiliza el cuerpo , la voz , el espacio y el tiempo escénicos para comunicar ideas, sentimientos y vivencias. La dramatización puede entenderse, además, como un procedimiento consistente en dar forma teatral a algo que en principio no la tiene.

Se caracteriza por integrar los diferentes lenguajes ( verbal , plástico , rítmico -musical, corporal ) y para constituir un poderoso medio de aprendizaje que implica simultáneamente aspectos cognoscitivos, afectivos y psicomotrices .

Los objetivos generales de la pedagogía teatral, según Tomás Motos serían: vivir el cuerpo, sensopercepción, concentración y atención, la comunicación, compatibilidad entre flexibilidad y rigor, pensamiento práctico y autónomo, desarrollo, entrenamiento y control de las emociones, sentimiento de grupo y interacción social, contenido humano, oralidad.